Searchlight Moonbeam (Efficient Space)
Searchlight Moonbeam ist die neue erzählerische Zusammenstellung von Time Is Away (Jack Rollo und Elaine Tierney), deren gleichnamige monatliche NTS-Radioshows ihnen eine begeisterte Anhängerschaft eingebracht haben. Es folgt auf „Ballads“ des in London lebenden Duos, ein bemerkenswertes Werk, das 2022 auf A Colourful Storm veröffentlicht wurde.
Searchlight Moonbeam ist eine herbstliche Traumlandschaft, intim und abendlich, nachdenklich und unentschlossen. Eine imaginäre Gemeinschaft, in der Unterschiede verschwinden und Resonanzen auftauchen – zwischen Maher Shalal Hash Baz Partner Kasumi Trio, dem taiwanesischen Komponisten Chen Ming Chang, dessen „Rainwater“ (geschrieben für Hou Hsiao-Hsiens Film „Dust In The Wind“ von 1986) exquisit herzzerreißend ist, und den klangvollen Improvisationen der autodidaktischen französischen Pianistin Delphine Dora.
Art Feynman – Be Good The Crazy Boys
Anders als die ersten beiden Art Feynman-Alben wurde Be Good The Crazy Boys live im Studio mit einer kompletten Band aufgenommen. Das Ergebnis fängt den Geist einer rastlosen Unruhe ein und erinnert an die frenetischsten Arbeiten der Talking Heads oder an Oingo Boingo in ihrer dunkelsten Phase. „Klanglich habe ich mich von Platten inspirieren lassen, die in den verstorbenen Compass Point Studios auf den Bahamas aufgenommen wurden, wie Grace Jones‘ ‚Private Life‘, Lizzy Mercier Descloux‘ Mambo Nassau und Talking Heads‘ Remain in Light“. Trotz dieser Anspielungen bleibt Be Good The Crazy Boys fest in modernen Belangen verwurzelt, mit Songs über die Angst vor dem Ende der Welt und den Kampf mit FOMO – Erzählungen, die nachvollziehbar wären, wenn sie nicht so völlig aus den Fugen geraten wären.
Mit Be Good The Crazy Boys beweist Art Feynman, dass er mehr als nur eine Figur ist. Er repräsentiert den Teil des modernen, kollektiven Bewusstseins, der darum kämpft, in einer toxischen, chaotischen Welt das Gleichgewicht zu halten. In weniger geschickten Händen könnte dieses Konzept zu einem sehr düsteren Hörerlebnis führen. Doch wenn Art Feynman das Chaos der Moderne in die Finger bekommt, möchte man einfach tanzen.
Waldemar Bastos – Pretaluz
Pretaluz ist das weltweite Debüt von Waldemar Bastos. Es wurde in New York mit angolanischen und portugiesischen Musikern aufgenommen und vom bekannten Downtown-Künstler und Luso-Savant Arto Lindsay produziert. Als intuitiver Musiker gehört Waldemar Bastos zu einer neuen Generation afrikanischer Künstler – weltgewandt, kosmopolitisch und in der Lage, aus einer Fülle von Einflüssen – lokalen und nicht so nahen – unauslöschliche Lieder zu schaffen. Dies sind seine Anmerkungen zu Pretaluz: „Dieses Album, das erste, das ich in den Vereinigten Staaten aufgenommen habe, gibt einen Eindruck von der Breite und Vielfalt meiner musikalischen Projekte, obwohl es, wie immer bei dem, was ich komponiere und aufführe, von der Musik Angolas getragen wird.“
Lewsberg – Out and About
Sampha – Lahai (Young)
The Soul of Congo – Treasures of the Ngoma label (Planet Ilunga)
The Soul of Congo ist eine Zusammenstellung, die die Jahre von 1948 bis 1963 umspannt, als Belgisch-Kongo aus der kolonialen Unterjochung in die erste Blüte der Unabhängigkeit eintrat.
Die Hauptstadt Léopoldville wurde zu einem Hexenkessel des musikalischen Synkretismus zwischen afrikanischen Rhythmen und den europäischen, karibischen und kubanischen Melodien, die in der Großstadt beliebt waren. Die neuen Klänge wurden für eines der fünf großen kongolesischen Labels aufgenommen: Opika, Loningisa, Esengo, Olympia oder Ngoma. Keines der anderen kongolesischen Labels brachte die Energie, die Vielfalt und den Geist dieser Ära besser zum Ausdruck als das Ngoma-Label. Das Label wurde 1948 von dem Griechen Nicolas Jéronimidis gegründet. Während seines Bestehens, von 1948 bis 1971, machte Ngoma über 4500 Aufnahmen und schuf damit ein wichtiges kulturelles Erbe. Nun, da die Unesco die kongolesische Rumba ab Dezember 2021 zum immateriellen Kulturerbe der Menschheit erklärt hat, ist es nur angemessen, dass sie der Welt wieder zu Gehör gebracht wird.
Liebevoll gestaltete Kompilation aus 3 Lps und 35-seitigem Booklet.
F.S.K. (Freiwillige Selbstkontrolle) – Topsy-Turvy (Buback)
Das neue Album der Band greift in mancherlei Hinsicht auf Arbeitsweisen aus vergangenen Band-Perioden zurück. So gibt es, wie auf den ersten Alben, Streicher- und Bläser-Overdubs, die mitunter ins spätromantisch Orchestrale lappen, aber auch improvisatorischer Natur sind (Cello, vierhändiges Klavier, Trompete). Die acht Stücke wurden in dem von der befreundeten Band The Notwist zur Verfügung gestellten Alien Research Center in Live Takes produziert und von Mario Thaler gemischt.
Quartabê – Lição #2: Dorival (Fun In The Church)
Wenn Moacir in der brasilianischen Musikgeschichte als Komponist, Arrangeur und Dirigent sowie als Lehrer eine unbestreitbare Bedeutung hat, so ist Dorival Caymmi gleichzeitig Begründer, Förderer und Revolutionär der Tradition des brasilianischen Volksliedes.
Er schuf einen ebenso einfachen wie raffinierten Kompositionsstil, der von der Musik der Candomblé-Religion und den Nuancen der afro-brasilianischen Kultur, von der Figur des Fischers und seinem Universum, dem Meer – Elemente seiner bahianischen Herkunft – und später von dem in Rio de Janeiro, wo er einen großen Teil seines Lebens verbrachte, entwickelten urbanen Gesang beeinflusst wurde.
In „Lesson # 2: Dorival“ geht das Quartett Quartabê einen anderen Weg als bei den Neuinterpretationen seiner ersten beiden Alben. Ausgehend von Improvisationssitzungen, die auf harmonischen, melodischen und rhythmischen Fragmenten basieren, die während einer intensiven Studienzeit des Werks von Caymmi ausgewählt wurden, erreicht Quartabê ein einzigartiges musikalisches Werk, in dem Themen, Motive, Klangfarben und andere Elemente von Caymmis Musikuniversum miteinander verwoben sind. Seine Lieder stehen oft nicht im Vordergrund oder erscheinen nicht einmal vollständig: Sie wurden transformiert, erweitert, verdichtet und überlagert und bilden ein verwobenes Netz, in dem der Zuhörer nicht erkennt, wo die Arbeit des Autors endet und die des Interpreten beginnt. Indem Quartabê das Werk Dorivals in das Universum der Gruppe einbringt, versucht es, auf seine Weise die rituelle Aura dieser „Bootsarbeit“ neu zu erschaffen und sie in unbekannte Strömungen zu führen.
Quartabê sind:
Mariá Portugal
Drums, voice and coquinho
Joana Queiroz
Clarinet, bass clarinet and coquinho
Maria Beraldo
Clarinet, bass clarinet and coquinho
chicão
Keys, voice and coquinho
Theo Parrish – Cornbread & Cowrie Shells for Bertha (Sound Signature)
Die 2022 erschienene LP von Theo Parrish ist ein Mix aus ein paar kürzeren Stücken und zwei langen Nummern. Genre-mäßig bewegt er sich irgendwo zwischen House, Deep House und Acid Jazz. Highlight ist das 19-minütige Rhodes-lastige „Dance Alone“.
Pharoah Sanders – Pharoah (Luaka Bop)
Ein Deluxe 2-LP-Box-Set mit Prägedruck. Neben einer remasterten Version von PHAROAH, seinem bahnbrechenden Album von 1977, sind zwei bisher unveröffentlichte Live-Auftritte seines Meisterwerks „Harvest Time“ enthalten. Enthält ein 24-seitiges Booklet mit selten gesehenen Fotos sowie Interviews mit vielen der Beteiligten und ein Gespräch mit Pharoah selbst.
Slowdive – Everything is Alive (Dead Oceans)
Das fünfte Album der Shoegaze-Giganten Slowdive enthält die Dualität einer vertrauten inneren Sprache, gemischt mit der Exaltation des Neuanfangs. everything is alive ist transportierend, suchend und leuchtend, das Werk einer klassischen Band, die ihre unverwechselbare Stimme weiterhin in die Zukunft richtet. Sechs Jahre nach dem monumentalen, selbstbetitelten Album, finden Slowdive – die Sänger und Gitarristen Rachel Goswell und Neil Halstead, Gitarrist Christian Savill, Bassist Nick Chaplin und Schlagzeuger Simon Scott – auf „Everything is Alive“ immer mehr Konturen ihres eindringlichen, elementaren Sounds.
Jaimie Branch – Fly or Die Fly or Die Fly or Die ((world war)) (International Anthem)
Im Juli 2022, nur einen Monat bevor der Tod von Jaimie Branch die Welt erschütterte, befand sich die Trompeterin und Komponistin in den International Anthem Studios in Chicago, um einem Album den letzten Schliff zu geben. Es handelte sich um eine Reihe von Musikstücken, die sie komponiert und dann mit ihrem Vorzeigeensemble Fly or Die während eines Aufenthalts im Bemis Center for Contemporary Arts in Omaha, Nebraska, aufgenommen hatte. In ihrem Kielwasser war das Album fast fertig, es fehlten nur noch die Abmischung, die endgültigen Titel und das Artwork. In den folgenden Monaten taten sich ihre Familie (angeführt von ihrer Schwester Kate Branch), ihre Band (Jason Ajemian, Lester St. Louis und Chad Taylor) und ihre Mitarbeiter bei IARC zusammen, um Erinnerungen, Texte, E-Mails, Fotos, Kunstwerke und Fragmente von Jaimie zu sammeln und den Weg nach vorne zu beleuchten. Das Ziel war immer, das zu tun, was Jaimie getan hätte. Fly or Die Fly or Die Fly or Die ((world war)) ist Jaimies letztes Album mit ihrem Fly or Die-Quartett, verpackt in atemberaubende Artworks von John Herndon, Damon Locks und Branch selbst.
Shintaro Sakamoto – Like A Fable (Zelone Records)
Sechs Jahre nach seinem letzten Album Love If Possible hat Shintaro Sakamoto sein viertes Soloalbum Like A Fable fertiggestellt.
Die zehn Songs des Albums beschreiben das alltägliche Leben in einer Welt, die sich inmitten einer Pandemie dramatisch verändert. Sakamoto entwickelt seinen Sound kontinuierlich weiter und hat mit Like A Fable sein bisher bestes Pop-Album geschaffen.
Wie seine früheren Alben wurde auch Like A Fable mit den langjährigen Mitgliedern der Shintaro Sakamoto Band aufgenommen: Yuta Suganuma am Schlagzeug, AYA (OOIOO) am Bass und Backgroundgesang und Toru Nishiuchi am Saxophon und der Flöte.
KEN KEN (Ken2d Special, Urban Volcano Sounds) ist bei zwei Stücken als Gastmusiker an der Posaune zu hören.
Soichiro Nakamura hat das Album produziert und gemastert.
Images Of Goo – Images Of Goo (Un Je-Ne-Sais-Quoi)
Images Of Goo nennen die Münchner Soundbricolageure Leo Hopfinger aka LeRoy (Kopf von Das Hobos, H, Spiritual Emojis u.a.) und Cico Beck aka Joasihno (aktives Mitglied von The Notwist, Aloa Input, Spirit Fest u.a.) ihren ersten musikalischen Dialog im Albumformat.
Es ist gleichermaßen ein Dialog mit den Elementen ihres klanglichen Repertoires aus Echo-Variationen und Klangschatten aus dem perkussiven Instrumentenkasten. In der Summe eine Wunderkammer der Panaudik, der man sich in sechs Tracks pro Seite nähern und wieder entziehen kann.
Minhwi Lee – Borrowed Tongue (Alien Transistor)
Minhwi Lees erstes Soloalbum Borrowed Tongue wird im November 2016 als 12″-Vinyl und digital veröffentlicht. Die acht Tracks, die in sieben Jahren geschrieben und in zwei Jahren aufgenommen wurden, sind lose zu einer Erzählung verbunden. Lees Musik, die sich sowohl auf die musikalische als auch auf die lyrische Kraft stützt, stellt die Frage, ob eine sehr persönliche Geschichte zu der des Zuhörers werden kann, als Individuum und als eine Vielzahl.
Rogê – Curyman (Diamond West)
Einer der aufregendsten Singer-Songwriter der letzten fünfzehn Jahre aus Rio de Janeiro lebt jetzt in Los Angeles, wo er kurz vor dem überfälligen amerikanischen Durchbruch steht. Vor seinem Umzug war der für den Latin Grammy nominierte Rogê (sprich: haw-zheh) der Prinz von Lapa, dem belebten Zentrum des Nachtlebens von Rio. Charismatisch und ungepflegt, mit einer unverwechselbar rauen und doch jungenhaften Stimme, gewann Rogê, der als Roger José Cury geboren wurde, eine begeisterte Fangemeinde für seinen swingenden Samba-Funk, der von brasilianischem Soul geprägt ist. Sein Bekanntheitsgrad stieg, als er den Titelsong für die Olympischen Spiele 2016 in Brasilien mitschrieb.
Er hat sein erstes in den USA produziertes Album Curyman fertiggestellt, das am 2. Februar 2023 erschienen ist. Aufwendig produziert von Thomas Brenneck von der Budos Band, einem Topsession-Gitarristen und Kollaborateur mit den Stars (Lady Gaga, Beyoncé & Jay-Z, AmyWinehouse), wird Curyman das neue Label von Brenneck, Diamond West, einführen. Die erste Single, „Pra Vida“ (To Life), ist am 11. August 2022 erschienen. Dieser fröhliche, feierliche Samba „ist wie ein Schrei nach Erlösung und Widerstand, nach Resilienz“, sagt Rogê, „damit wir nicht der Traurigkeit, der Faulheit, dem mangelnden Willen, das Leben weiterzuführen, nachgeben. Es ist die Gewissheit, dass ein neuer Tag anbrechen wird.“
Malombo Jazz Makers – Down Lucky’s Way (Tapestry Works)
Erste Ausgabe seit 1969 des unbekannten dritten Albums des Malombo Jazz Makers, vollständig lizenziert von Julian Bahula, mit Linernotes und Interviews mit Julian Bahula und Lucky Ranku.
„Malombo-Musik ist eine indigene Musik. Wenn man ihr zuhört, spürt man, dass sie einen heilen kann, wenn etwas nicht in Ordnung ist. Es ist heilende Musik.“
Lucky Ranku
Lucas ‚Lucky‘ Madumetja Ranku (1941-2016) war einer der größten afrikanischen Gitarristen seiner Generation. Er machte sich zunächst mit den Malombo Jazz Makers einen Namen – der Nachfolgegruppe der legendären Malombo Jazzmen, die im Township Mamelodi von dem Gitarristen Philip Tabane, dem Schlagzeuger Julian Bahula und dem Flötisten Abbey Cindi gegründet wurde. Als Tabane 1965 die Jazzmen verließ, forderten Bahula und Cindi Lucky auf, ihn zu ersetzen, und die Malombo Jazz Makers waren geboren. Die Malombo Jazz Makers bauten auf der Popularität und dem Erfolg der ursprünglichen Malombo Jazzmen auf, wurden ungemein populär, tourten viel, gewannen zahlreiche Jazzwettbewerbe und nahmen zwei erfolgreiche Alben für das Gallo-Label auf.
Ahmed Ben Ali – Subhana (Habibi Funk)
Libyscher Reggae in seiner besten Form mit freundlicher Genehmigung des in Benghazi geborenen Ahmed Ben Ali. Nach der Zusammenarbeit mit Ahmed auf dem 12″-Hit „Subhana“ (Habibi012) meldet sich Habibi Funk mit einer Full-Length-Veröffentlichung zurück, die sich auf Ahmeds Veröffentlichungen aus der Mitte der 2000er Jahre konzentriert. Die Tracks auf der LP sind eine beeindruckende Sammlung schwerer Reggae-Rhythmen und synthetischer Grooves von einer einzigartigen kreativen Kraft, die sowohl von jamaikanischen Klängen als auch von libyschen folkloristischen Stilen inspiriert ist, wie Ahmed sagt: „Es ist der libysche Stil, nicht irgendein Bullshit.“
Namian Sidibe – Namian Sidibe (Sahel Sounds)
Die andere Seite der modernen malischen Loblieder: eine intime, akustische Session von Namian Sidibé. Namian gehört zu einer aufstrebenden Generation junger malischer Diven, die sich die sozialen Medien zunutze machen. Sie hat sich eine Fangemeinde aufgebaut und veröffentlicht Videos und Widmungen in Liedern, die von ihrem Cousin Jules Diabaté auf der akustischen Gitarre begleitet werden. Aufgenommen bei ihr zu Hause, mit kraftvollem und doch zurückhaltendem Gesang, der über einer melancholischen Akustikgitarre schwebt, erkundet Namian epische Generationslieder und Poesie, die in das Tik Tok-Zeitalter übertragen wurden.
The Ironsides – Changing Light (Colemine Records)
Die Ironsides sind da. Changing Light ist das erste abendfüllende Werk dieses meisterhaften Kollektivs von Musikern aus der Bay Area. Es verbindet klassische Psych-Soul-Klänge mit ausladenden Orchesterarrangements, die an den Soundtrack eines europäischen Films aus den 60er Jahren erinnern.
Inspiriert von den Soundtracks und der Library-Musik europäischer Komponisten der 60er und 70er Jahre, haben sich die Ironsides vorgenommen, eine Sammlung üppiger Songs zu schaffen, die ein breites Spektrum an Gefühlen, Emotionen und Erinnerungen hervorrufen.
Dali Muru & the Polyphonic Swarm (Stroom)
„Wir haben zusammen eine Karte von der Reise gezeichnet. Eine grüne Linie von Bambi über die Donau bis zu den Karpaten. Ein in Technikfarben animiertes Märchen, das sich in Zeitlupe abspielt. Alle Protagonisten schwebten leicht über dem Boden. Der Soundtrack von Transkarpatien und ein wirbelndes, unaufgelöstes Summen. Eine körperlose Kamera fliegt durch einen Bartak-Wald; sie sinkt auf ein Nest aus wildem Beifuß…“
Art Ensemble of Chicago – Originale Du Film „Les Stances A Sophie“ (Play Loud!)
Am 28. Mai 1969 gingen vier amerikanische Musiker – die Bläser Roscoe Mitchell und Joseph Jarman, der Bassist Malachi Favors und (in Begleitung seiner Frau, der Sängerin Fontella Bass) der Trompeter Roscoe Mitchell – an Bord des Ozeandampfers S.S. United States mit dem Ziel Le Havre, Frankreich. Nach der Landung fünf Tage später fuhren sie weiter nach Paris, wo sie sich an die Arbeit machten.
Am 22. August 1970, in den letzten Tagen ihres Aufenthalts in Übersee, nahm die Gruppe, mit Bass am Gesang, ihre zweite Veröffentlichung für EMI’s Pathé Marconi auf: den Soundtrack zum Film Les Stances à Sophie.
Die Platte, eine aufregende, äußerst hörenswerte Kombination aus Soul, Klassik und Jazz, die als das stilistisch vielfältigste Album des Art Ensemble of Chicago gilt, wird seit langem von einer treuen Anhängerschaft bewundert. Seine Beständigkeit ist weitgehend auf die Popularität seines „Hits“ zurückzuführen: Im Laufe der Jahre wurde „Theme de Yoyo“ immer wieder gecovert, und zwar von so unterschiedlichen Künstlern wie der deutschen Funkband Boogoos (und dem Ableger Deep Jazz, beide mit der Sängerin Julia Fehenbeger), der britischen Nu-Jazz-Combo Cinematic Orchestra, dem polnischen Jazzer Wojtek Mazolewski, den norwegischen Rockern Motorpsycho, dem französischen Tanzmusikkünstler Étienne Jaumet und dem Londoner Remixer ™Shall I Bruk It.
Mehr als ein halbes Jahrhundert später sind „Theme de Yoyo“ und Les Stances à Sophie immer noch ein Hit.
Xylouris White – The Forest in Me (Drag City)
Im Einklang mit dem Rhythmus von Sonne und Mond sprechen Xylouris White über große Entfernungen hinweg mit der Intuition und Kameradschaft, die man nur über Jahre hinweg in der Gesellschaft des jeweils anderen finden kann. Mit weniger Ablenkungen, die Freiheit schätzend, mit neuen Klängen und Räumen zu spielen, schnitzen sie The Forest In Me aus unglaublich dünner Luft.
Jake Blount – The New Faith (Smithsonian Folkways)
„The New Faith“ erzählt eine afrofuturistische Geschichte, die in einer weit in der Zukunft liegenden, vom Klimawandel verwüsteten Welt spielt. Jake Blount und seine Mitarbeiter verkörpern eine Gruppe schwarzer Klimaflüchtlinge, die einen Gottesdienst abhalten und sich dabei auf uralte Spirituals berufen, die zwar inhaltlich vertraut, aber in ihrer Darbietung außergewöhnlich sind. Diese Lieder, die schwarze Amerikaner durch zahllose Kämpfe begleitet haben, verbinden diese zukünftige Gemeinschaft und ihre gemeinsame Vergangenheit; Schönheit und Kraft, die durch Jahrhunderte der Verwüstung, des Herzschmerzes und des Verlustes im Gesang festgehalten werden.
Rob Mazurek & Exploding Star Orchestra – Lightning Dreamers (International Anthem)
Lightning Dreamers ist ein neues Werk des Komponisten, Trompeters, interdisziplinären Abstraktionisten und modernen Musikmoguls Rob Mazurek, der die Musik für eine komprimierte Version seines langjährigen Exploding Star Orchestra geschrieben hat. Das Album ist der Nachfolger des gefeierten Mazurek/ESO-Albums Dimensional Stardust aus dem Jahr 2020 und enthält unter anderem den Gitarristen Jeff Parker, den Sänger Damon Locks, den Schlagzeuger Gerald Cleaver und die Pianisten Angelica Sanchez und Craig Taborn. Aufgenommen wurde es hauptsächlich in den abgelegenen Sonic Ranch Studios in Westtexas, nicht weit von Mazureks derzeitigem Zuhause in Marfa, in den Tagen vor der Premiere der Musik beim Trans Pecos Festival im September 2021. Das Abmischen und die Postproduktion wurden von Dave Vettraino in den IARC-Studios in Chicago im Jahr 2022 geleitet.
El Zigui Y Una Luz – Buenos Dias Juventud (Munster Records)
Eine der obskursten Platten, die jemals in Venezuela veröffentlicht wurden, die ursprünglich 1972 in winzigen Mengen als reines Promo-Album vertrieben wurde. Eine magische Mischung aus Protest-Songwriting mit einer starken umweltpolitischen Aussage und Folk-Pop mit Psycho-Zutaten – wie dem Einsatz von Sitar-Klängen – aufgenommen von dem Künstlerkollektiv „Una Luz“ und „El Zigui“, das einmal als der lokale Bob Dylan bezeichnet wurde.
James Holden – Imagine this is a High Dimensional Space of all Possibilities (Border Community)
“I wanted this to be my most open record, uncynical, naive, unguarded, the record teenage me wanted to make,” says electronic explorer James Holden of his generically unconstrained new album of rave music for a parallel universe ‚Imagine This Is A High Dimensional Space Of All Possibilities‘. “I used to balance my clock-radio on a wardrobe to catch the faint pirate FM signals from the nearest city, dreaming of what raves would be like when I could finally escape and become a New Age traveller. So it’s like a dream of rave, a fantasy about a transformative music culture that would make the world better. I guess it’s also a dialogue with that teenage me.”
Various – INSHA (Nairobi Ableton Users Group)
INSHA ist das Gemeinschaftswerk des kreativen Zentrums Nairobi Ableton User Group und des Ambient-Acts KMRU, das auf einer 14-Track-Compilation Raum für eine neue Ära kenianischer Produzenten und Kreativer schafft. Munyasya stellt seinen eigenen Track „Borrowed Cadences“ exklusiv auf PAM vor.
Andrea – Due In Color (Ilian Tape)
Andrea’s zweites Album „Due In Color“ ist hauptsächlich in den Jahren 2020 und 2021 entstanden. Während dieser verrückten und entschleunigten Zeit erkundete er einen eher dunstigen und experimentellen Jazz, der ihn dazu inspirierte, mehr akustische Klänge in seinen Produktionen zu verwenden. Dunkle, laute Clubs sind in weiter Ferne, während Andrea uns in wundervoll blühende Felder entführt.
Ahl Nana – L’Orchestre National Mauritanien (Radio Martiko)
Dieses Album enthält die ersten Aufnahmen moderner Musik aus der Sahara und markiert die Geburtsstunde des Genres, das im Westen als „Desert Blues“ oder „Desert Rock“ bekannt ist. Ahl Nana wandelten die Volksmusik der Sahara durch den Einsatz westlicher Instrumente wie der E-Gitarre in moderne, kosmopolitische Musik um. Sie ebneten den Weg für Künstler wie Ali Farka Touré, Tinariwen, Mdou Moctar oder Bombino. Obwohl die Gruppe heute noch aktiv ist, hat sie nur 2 LPs und eine Handvoll Singles aufgenommen. Alle diese Aufnahmen fanden 1971 in den Boussiphone-Studios in Casablanca statt. Die Platten wurden nie vertrieben und blieben daher fast 50 Jahre lang unbekannt, bis Radio Martiko vor ein paar Jahren einen Stapel unverkaufter Fabrikware entdeckte. Auf diesem Album finden Sie eine Auswahl dieser revolutionären Aufnahmen.
Sleaford Mods – UK Grim (Rough Trade)
Sleaford Mods werden 2023 mit ihrem neuen Album UK GRIM zurückkehren. Der poetische Protest und der elektronische Widerstand, den das Duo in seiner Musik an den Tag legt, hat sie zu einer der eindringlichsten und einzigartigsten Stimmen in der modernen Musik gemacht, die ihre Zeit mit einer Eloquenz und Haltung anprangert. Gefeiert von Leuten wie Liam Gallagher, Seth Myers, Iggy Pop, Amyl & The Sniffers und einer Legion treuer Fans, deren Hingabe für die Band es mit den meisten Sportfans aufnehmen könnte.
Auf ihrem neuen Album setzen Jason Williamson und Andrew Fearn diese klangliche Berufung fort und fangen mit ihrer kreativen Entwicklung nun auch die Atmosphäre ihrer Zeit ein. Obwohl ihnen die Tanzfläche nicht fremd ist, fügen die minimalen, aber mitreißenden Beats und Grooves der UK GRIM-Tracks – zu denen auch Kollaborationen mit Florence Shaw von Dry Cleaning und Perry Farrell und Dave Navarro von Jane’s Addiction gehören – dem Sound von Sleaford Mod eine neue, körperliche Dimension hinzu, die ihre Worte lebendiger denn je macht. Musik für Körper UND Geist.
Kostas Bezos and the White Birds – Kostas Bezos and the White Birds (Mississippi Records)
Die allererste Zusammenstellung von χαβάγιες („havagies“), der fast vergessenen hawaiianisch beeinflussten Musik der 1930er Jahre in Griechenland, konzentriert sich auf die Kompositionen von Kostas Bezos und seinem Ensemble White Birds. Als Weltklasse-Slide-Gitarrist, politischer Karikaturist und schlafloser Bohemien schuf Kostas Bezos eine der einzigartigsten Musiken aller Zeiten: surrealistische Gitarrenporträts, in denen Athen und Honolulu verschmelzen, eindringliche tropische Serenaden, wilde akustische Orchester und herzzerreißende Steel-Guitar-Duette. Unglaublicherweise ist dies derselbe Musiker, der für die legendären „Kostis“-Rebétika-Aufnahmen verantwortlich ist (siehe A. Kostis „The Jail’s a Fine School“ [OLV-002 / MRP-098]).
Die LP-Version enthält ein 32-seitiges Booklet mit ausführlichen Anmerkungen von Tony Klein und Dimitris Kourtis, viele seltene Fotos, Texte, Nachrufe und eine Bonus-CD mit 18 zusätzlichen Tracks. Diese auf 1.000 Exemplare limitierte Veröffentlichung wurde von Michael Graves von den Original-78ern restauriert und gemastert. Die digitale Version enthält alle 32 Songs und ein PDF des Booklets.
Sam Gendel – Cookup (Nonesuch)
Kassem Mosse – Workshop 32 (Workshop)
Zurückgezogener und knochiger Funk. Die Überreste und fernen Erinnerungen an eine Party. Du schließt die Augen, es ist noch nicht dunkel. Eine Lichtanlage unter deinen Augenlidern. Eine Nacht, die 20 Jahre dauerte, und du schläfst mit deinem Lieblingssong auf Repeat ein. Die dekonstruierte, unentwirrte Erinnerung verweilt in deinem System. Was du hörst, sind die Überreste eines geselligen Beisammenseins und seine Körperbewegungen.
KMOS. Die Nebelmaschinen sind verschwunden, das freie, dekonstruierte Denken liegt offen zutage. Viertes Album. Der White Noise Funk ist immer noch da, 4 to the floor und knorrige Basslines. Der Jazz, aber das Enge, der Funk, aber das Straffe. Das Strenge, aber das Fließende. Die Instrumente, gewunden und verschlungen. Der dekonstruierte Dancefloor. Zersägte Teile, zersägte Stücke. Das Schlagzeug, die Streicher, das Klatschen, die Schärfe. Neu arrangiert, auseinandergenommen. organisiert für einen neuen Tag. Eine neue Idee. Eine neue Blaupause. Ein mutiges neues klares schwer fassbares Versprechen. Die Liebe im Strengen. Die Strenge aber das Chaos. Die Strenge, aber die Lüge. Ein Versprechen.
Robert Forster – The Candle and the Flame (Tapete Records)
The Candle And The Flame“ besteht aus 9 von Robert geschriebenen Songs. Produziert von Robert, Karin Bäumler und Louis Forster (The Goon Sax), wurde das Album von Victor Van Vugt (Nick Cave and The Bad Seeds, PJ Harvey) abgemischt. An den Aufnahmen beteiligt waren die ehemalige Go-Betweens- und Warm Nights-Bassistin Adele Pickvance sowie Scott Bromiley und Luke McDonald (The John Steele Singers), die bereits an Roberts Alben „Inferno“ und „Songs To Play“ mitgewirkt haben. „Die Aufnahmesessions für das Album fanden sporadisch über sechs Monate statt. Manchmal nur ein oder zwei Tage pro Monat. Das war alles, was Karins Kraft und ihr Zustand zuließen. „So we had to record ‘live’, catching magical moments and going for ‘feel‘. And that became the sound of the album.”, sagt Robert.
