Moritz von Oswald – Silencio (Tresor)
What are the differences and similarities between human and artificial sound, between oscillations generated by vocal cords and synthesizer voices, voltage amplified by speakers? On Silencio, his latest album for Tresor Records, Moritz von Oswald works with a 16-voice choir to explore this concept.
Drawing from the ensemble works of long-standing inspirations Edgard Varèse, György Ligeti and Iannis Xenakis, von Oswald and Vocalconsort Berlin delve into the space between sounds, creating a deeply textured collection that shifts between light & ethereal and dark & dissonant.
As masterfully demonstrated in the early work of von Oswald and Mark Ernestus’ influential Basic Channel project, repetition and reduction are key elements here, much in the tradition of techno and minimalism. The vast dynamism of the human voice adds to the profound weight of electronics while offering up a rhythmic source and sonic noise palette unexplored in von Oswald’s repertoire. In Silencio, von Oswald dredges a dank murk, pulling clouds over a distant pulse. It hangs, ready to take on new forms.
The compositions were written in von Oswald’s Berlin studio on classic synthesizers, such as the EMS VCS3 & AKS, Prophet V, Oberheim 4-Voice and the Moog Model 15. These abstract recordings were transcribed to sheet music for choir by Berlin-based Finnish composer and pianist, Jarkko Riihimäki and performed by Vocalconsort Berlin in Ölberg church in the city’s Kreuzberg district, only few metres down the road from where Dubplates & Mastering and Hard Wax opened their doors for music enthusiasts for many years so long.
Mike Reed – The Separatist Party (We Jazz)
Der Chicagoer Schlagzeuger, Bandleader und Komponist Mike Reed präsentiert sein neues Werk „The Separatist Party“, das am 27. Oktober 2023 gemeinsam von We Jazz Records und Astral Spirits veröffentlicht wird. Auf dem Album sind Ben LaMar Gay, Bitchin Bajas und Marvin Tate zu hören, und es wurde als Soundtrack zu dem Nachrichten-Essay „The Lonely Death of George Bell“ von N.R. Kleinfield geschrieben und aufgeführt.
Schon lange vor der Covid-19-Pandemie hatte Mike Reed über das Thema Isolation nachgedacht, verfolgt von einer Geschichte aus dem Jahr 2015 in der New York Times über den Tod eines Bewohners namens George Bell. Er war ein Hamsterer, der zu Hause verstarb und dessen Leiche fast eine Woche lang unentdeckt blieb. Die Behörden konnten seine Angehörigen nicht ausfindig machen und hatten Mühe, die Teile seines Lebens zusammenzusetzen, wie so viele andere Menschen, deren Existenz geisterhaft wird und die selbst in einer so belebten Stadt wie New York – einer Art inoffizieller Quarantäne – die Tage völlig allein verbringen.
Nach einigen Jahren, in denen persönliche Interaktionen eingeschränkt, wenn nicht gar verboten waren, versammelte Reed Anfang Januar 2022 eine Gruppe von Musikern, um diesen Gedanken der erzwungenen Abgeschiedenheit einen Klang zu geben. Er brachte einige der kreativsten Köpfe der experimentellen und improvisierten Musikszene Chicagos zusammen, den Kornettisten Ben LaMar Gay und den Dichter und Spoken-Word-Künstler Marvin Tate – beide arbeiteten an seinem Projekt Flesh and Bone aus dem Jahr 2017 mit und schlossen sich ihm sporadisch in einem improvisierenden Trio an – zusammen mit den Mitgliedern von Bitchin Bajas (den Multiinstrumentalisten Rob Frye, Cooper Crain und Dan Quinlivan). Er nannte die neue Gruppe Separatist Party, ein Name, den er gelegentlich für Ad-hoc-Live-Auftritte verwendet hatte, und auch ein Titel für ein altes Flesh-and-Bone-Stück. Er schien perfekt in den Kontext zu passen und spiegelte die Einzelgänger-Persönlichkeit wider, die alle sechs Musiker zeitweise ausstrahlten.
Searchlight Moonbeam (Efficient Space)
Searchlight Moonbeam ist die neue erzählerische Zusammenstellung von Time Is Away (Jack Rollo und Elaine Tierney), deren gleichnamige monatliche NTS-Radioshows ihnen eine begeisterte Anhängerschaft eingebracht haben. Es folgt auf „Ballads“ des in London lebenden Duos, ein bemerkenswertes Werk, das 2022 auf A Colourful Storm veröffentlicht wurde.
Searchlight Moonbeam ist eine herbstliche Traumlandschaft, intim und abendlich, nachdenklich und unentschlossen. Eine imaginäre Gemeinschaft, in der Unterschiede verschwinden und Resonanzen auftauchen – zwischen Maher Shalal Hash Baz Partner Kasumi Trio, dem taiwanesischen Komponisten Chen Ming Chang, dessen „Rainwater“ (geschrieben für Hou Hsiao-Hsiens Film „Dust In The Wind“ von 1986) exquisit herzzerreißend ist, und den klangvollen Improvisationen der autodidaktischen französischen Pianistin Delphine Dora.
Art Feynman – Be Good The Crazy Boys
Anders als die ersten beiden Art Feynman-Alben wurde Be Good The Crazy Boys live im Studio mit einer kompletten Band aufgenommen. Das Ergebnis fängt den Geist einer rastlosen Unruhe ein und erinnert an die frenetischsten Arbeiten der Talking Heads oder an Oingo Boingo in ihrer dunkelsten Phase. „Klanglich habe ich mich von Platten inspirieren lassen, die in den verstorbenen Compass Point Studios auf den Bahamas aufgenommen wurden, wie Grace Jones‘ ‚Private Life‘, Lizzy Mercier Descloux‘ Mambo Nassau und Talking Heads‘ Remain in Light“. Trotz dieser Anspielungen bleibt Be Good The Crazy Boys fest in modernen Belangen verwurzelt, mit Songs über die Angst vor dem Ende der Welt und den Kampf mit FOMO – Erzählungen, die nachvollziehbar wären, wenn sie nicht so völlig aus den Fugen geraten wären.
Mit Be Good The Crazy Boys beweist Art Feynman, dass er mehr als nur eine Figur ist. Er repräsentiert den Teil des modernen, kollektiven Bewusstseins, der darum kämpft, in einer toxischen, chaotischen Welt das Gleichgewicht zu halten. In weniger geschickten Händen könnte dieses Konzept zu einem sehr düsteren Hörerlebnis führen. Doch wenn Art Feynman das Chaos der Moderne in die Finger bekommt, möchte man einfach tanzen.
Waldemar Bastos – Pretaluz
Pretaluz ist das weltweite Debüt von Waldemar Bastos. Es wurde in New York mit angolanischen und portugiesischen Musikern aufgenommen und vom bekannten Downtown-Künstler und Luso-Savant Arto Lindsay produziert. Als intuitiver Musiker gehört Waldemar Bastos zu einer neuen Generation afrikanischer Künstler – weltgewandt, kosmopolitisch und in der Lage, aus einer Fülle von Einflüssen – lokalen und nicht so nahen – unauslöschliche Lieder zu schaffen. Dies sind seine Anmerkungen zu Pretaluz: „Dieses Album, das erste, das ich in den Vereinigten Staaten aufgenommen habe, gibt einen Eindruck von der Breite und Vielfalt meiner musikalischen Projekte, obwohl es, wie immer bei dem, was ich komponiere und aufführe, von der Musik Angolas getragen wird.“
Lewsberg – Out and About
Sampha – Lahai (Young)
The Soul of Congo – Treasures of the Ngoma label (Planet Ilunga)
The Soul of Congo ist eine Zusammenstellung, die die Jahre von 1948 bis 1963 umspannt, als Belgisch-Kongo aus der kolonialen Unterjochung in die erste Blüte der Unabhängigkeit eintrat.
Die Hauptstadt Léopoldville wurde zu einem Hexenkessel des musikalischen Synkretismus zwischen afrikanischen Rhythmen und den europäischen, karibischen und kubanischen Melodien, die in der Großstadt beliebt waren. Die neuen Klänge wurden für eines der fünf großen kongolesischen Labels aufgenommen: Opika, Loningisa, Esengo, Olympia oder Ngoma. Keines der anderen kongolesischen Labels brachte die Energie, die Vielfalt und den Geist dieser Ära besser zum Ausdruck als das Ngoma-Label. Das Label wurde 1948 von dem Griechen Nicolas Jéronimidis gegründet. Während seines Bestehens, von 1948 bis 1971, machte Ngoma über 4500 Aufnahmen und schuf damit ein wichtiges kulturelles Erbe. Nun, da die Unesco die kongolesische Rumba ab Dezember 2021 zum immateriellen Kulturerbe der Menschheit erklärt hat, ist es nur angemessen, dass sie der Welt wieder zu Gehör gebracht wird.
Liebevoll gestaltete Kompilation aus 3 Lps und 35-seitigem Booklet.
F.S.K. (Freiwillige Selbstkontrolle) – Topsy-Turvy (Buback)
Das neue Album der Band greift in mancherlei Hinsicht auf Arbeitsweisen aus vergangenen Band-Perioden zurück. So gibt es, wie auf den ersten Alben, Streicher- und Bläser-Overdubs, die mitunter ins spätromantisch Orchestrale lappen, aber auch improvisatorischer Natur sind (Cello, vierhändiges Klavier, Trompete). Die acht Stücke wurden in dem von der befreundeten Band The Notwist zur Verfügung gestellten Alien Research Center in Live Takes produziert und von Mario Thaler gemischt.
Quartabê – Lição #2: Dorival (Fun In The Church)
Wenn Moacir in der brasilianischen Musikgeschichte als Komponist, Arrangeur und Dirigent sowie als Lehrer eine unbestreitbare Bedeutung hat, so ist Dorival Caymmi gleichzeitig Begründer, Förderer und Revolutionär der Tradition des brasilianischen Volksliedes.
Er schuf einen ebenso einfachen wie raffinierten Kompositionsstil, der von der Musik der Candomblé-Religion und den Nuancen der afro-brasilianischen Kultur, von der Figur des Fischers und seinem Universum, dem Meer – Elemente seiner bahianischen Herkunft – und später von dem in Rio de Janeiro, wo er einen großen Teil seines Lebens verbrachte, entwickelten urbanen Gesang beeinflusst wurde.
In „Lesson # 2: Dorival“ geht das Quartett Quartabê einen anderen Weg als bei den Neuinterpretationen seiner ersten beiden Alben. Ausgehend von Improvisationssitzungen, die auf harmonischen, melodischen und rhythmischen Fragmenten basieren, die während einer intensiven Studienzeit des Werks von Caymmi ausgewählt wurden, erreicht Quartabê ein einzigartiges musikalisches Werk, in dem Themen, Motive, Klangfarben und andere Elemente von Caymmis Musikuniversum miteinander verwoben sind. Seine Lieder stehen oft nicht im Vordergrund oder erscheinen nicht einmal vollständig: Sie wurden transformiert, erweitert, verdichtet und überlagert und bilden ein verwobenes Netz, in dem der Zuhörer nicht erkennt, wo die Arbeit des Autors endet und die des Interpreten beginnt. Indem Quartabê das Werk Dorivals in das Universum der Gruppe einbringt, versucht es, auf seine Weise die rituelle Aura dieser „Bootsarbeit“ neu zu erschaffen und sie in unbekannte Strömungen zu führen.
Quartabê sind:
Mariá Portugal
Drums, voice and coquinho
Joana Queiroz
Clarinet, bass clarinet and coquinho
Maria Beraldo
Clarinet, bass clarinet and coquinho
chicão
Keys, voice and coquinho
Theo Parrish – Cornbread & Cowrie Shells for Bertha (Sound Signature)
Die 2022 erschienene LP von Theo Parrish ist ein Mix aus ein paar kürzeren Stücken und zwei langen Nummern. Genre-mäßig bewegt er sich irgendwo zwischen House, Deep House und Acid Jazz. Highlight ist das 19-minütige Rhodes-lastige „Dance Alone“.
Pharoah Sanders – Pharoah (Luaka Bop)
Ein Deluxe 2-LP-Box-Set mit Prägedruck. Neben einer remasterten Version von PHAROAH, seinem bahnbrechenden Album von 1977, sind zwei bisher unveröffentlichte Live-Auftritte seines Meisterwerks „Harvest Time“ enthalten. Enthält ein 24-seitiges Booklet mit selten gesehenen Fotos sowie Interviews mit vielen der Beteiligten und ein Gespräch mit Pharoah selbst.
Slowdive – Everything is Alive (Dead Oceans)
Das fünfte Album der Shoegaze-Giganten Slowdive enthält die Dualität einer vertrauten inneren Sprache, gemischt mit der Exaltation des Neuanfangs. everything is alive ist transportierend, suchend und leuchtend, das Werk einer klassischen Band, die ihre unverwechselbare Stimme weiterhin in die Zukunft richtet. Sechs Jahre nach dem monumentalen, selbstbetitelten Album, finden Slowdive – die Sänger und Gitarristen Rachel Goswell und Neil Halstead, Gitarrist Christian Savill, Bassist Nick Chaplin und Schlagzeuger Simon Scott – auf „Everything is Alive“ immer mehr Konturen ihres eindringlichen, elementaren Sounds.
Jaimie Branch – Fly or Die Fly or Die Fly or Die ((world war)) (International Anthem)
Im Juli 2022, nur einen Monat bevor der Tod von Jaimie Branch die Welt erschütterte, befand sich die Trompeterin und Komponistin in den International Anthem Studios in Chicago, um einem Album den letzten Schliff zu geben. Es handelte sich um eine Reihe von Musikstücken, die sie komponiert und dann mit ihrem Vorzeigeensemble Fly or Die während eines Aufenthalts im Bemis Center for Contemporary Arts in Omaha, Nebraska, aufgenommen hatte. In ihrem Kielwasser war das Album fast fertig, es fehlten nur noch die Abmischung, die endgültigen Titel und das Artwork. In den folgenden Monaten taten sich ihre Familie (angeführt von ihrer Schwester Kate Branch), ihre Band (Jason Ajemian, Lester St. Louis und Chad Taylor) und ihre Mitarbeiter bei IARC zusammen, um Erinnerungen, Texte, E-Mails, Fotos, Kunstwerke und Fragmente von Jaimie zu sammeln und den Weg nach vorne zu beleuchten. Das Ziel war immer, das zu tun, was Jaimie getan hätte. Fly or Die Fly or Die Fly or Die ((world war)) ist Jaimies letztes Album mit ihrem Fly or Die-Quartett, verpackt in atemberaubende Artworks von John Herndon, Damon Locks und Branch selbst.
Shintaro Sakamoto – Like A Fable (Zelone Records)
Sechs Jahre nach seinem letzten Album Love If Possible hat Shintaro Sakamoto sein viertes Soloalbum Like A Fable fertiggestellt.
Die zehn Songs des Albums beschreiben das alltägliche Leben in einer Welt, die sich inmitten einer Pandemie dramatisch verändert. Sakamoto entwickelt seinen Sound kontinuierlich weiter und hat mit Like A Fable sein bisher bestes Pop-Album geschaffen.
Wie seine früheren Alben wurde auch Like A Fable mit den langjährigen Mitgliedern der Shintaro Sakamoto Band aufgenommen: Yuta Suganuma am Schlagzeug, AYA (OOIOO) am Bass und Backgroundgesang und Toru Nishiuchi am Saxophon und der Flöte.
KEN KEN (Ken2d Special, Urban Volcano Sounds) ist bei zwei Stücken als Gastmusiker an der Posaune zu hören.
Soichiro Nakamura hat das Album produziert und gemastert.
Images Of Goo – Images Of Goo (Un Je-Ne-Sais-Quoi)
Images Of Goo nennen die Münchner Soundbricolageure Leo Hopfinger aka LeRoy (Kopf von Das Hobos, H, Spiritual Emojis u.a.) und Cico Beck aka Joasihno (aktives Mitglied von The Notwist, Aloa Input, Spirit Fest u.a.) ihren ersten musikalischen Dialog im Albumformat.
Es ist gleichermaßen ein Dialog mit den Elementen ihres klanglichen Repertoires aus Echo-Variationen und Klangschatten aus dem perkussiven Instrumentenkasten. In der Summe eine Wunderkammer der Panaudik, der man sich in sechs Tracks pro Seite nähern und wieder entziehen kann.
Minhwi Lee – Borrowed Tongue (Alien Transistor)
Minhwi Lees erstes Soloalbum Borrowed Tongue wird im November 2016 als 12″-Vinyl und digital veröffentlicht. Die acht Tracks, die in sieben Jahren geschrieben und in zwei Jahren aufgenommen wurden, sind lose zu einer Erzählung verbunden. Lees Musik, die sich sowohl auf die musikalische als auch auf die lyrische Kraft stützt, stellt die Frage, ob eine sehr persönliche Geschichte zu der des Zuhörers werden kann, als Individuum und als eine Vielzahl.
Rogê – Curyman (Diamond West)
Einer der aufregendsten Singer-Songwriter der letzten fünfzehn Jahre aus Rio de Janeiro lebt jetzt in Los Angeles, wo er kurz vor dem überfälligen amerikanischen Durchbruch steht. Vor seinem Umzug war der für den Latin Grammy nominierte Rogê (sprich: haw-zheh) der Prinz von Lapa, dem belebten Zentrum des Nachtlebens von Rio. Charismatisch und ungepflegt, mit einer unverwechselbar rauen und doch jungenhaften Stimme, gewann Rogê, der als Roger José Cury geboren wurde, eine begeisterte Fangemeinde für seinen swingenden Samba-Funk, der von brasilianischem Soul geprägt ist. Sein Bekanntheitsgrad stieg, als er den Titelsong für die Olympischen Spiele 2016 in Brasilien mitschrieb.
Er hat sein erstes in den USA produziertes Album Curyman fertiggestellt, das am 2. Februar 2023 erschienen ist. Aufwendig produziert von Thomas Brenneck von der Budos Band, einem Topsession-Gitarristen und Kollaborateur mit den Stars (Lady Gaga, Beyoncé & Jay-Z, AmyWinehouse), wird Curyman das neue Label von Brenneck, Diamond West, einführen. Die erste Single, „Pra Vida“ (To Life), ist am 11. August 2022 erschienen. Dieser fröhliche, feierliche Samba „ist wie ein Schrei nach Erlösung und Widerstand, nach Resilienz“, sagt Rogê, „damit wir nicht der Traurigkeit, der Faulheit, dem mangelnden Willen, das Leben weiterzuführen, nachgeben. Es ist die Gewissheit, dass ein neuer Tag anbrechen wird.“
Malombo Jazz Makers – Down Lucky’s Way (Tapestry Works)
Erste Ausgabe seit 1969 des unbekannten dritten Albums des Malombo Jazz Makers, vollständig lizenziert von Julian Bahula, mit Linernotes und Interviews mit Julian Bahula und Lucky Ranku.
„Malombo-Musik ist eine indigene Musik. Wenn man ihr zuhört, spürt man, dass sie einen heilen kann, wenn etwas nicht in Ordnung ist. Es ist heilende Musik.“
Lucky Ranku
Lucas ‚Lucky‘ Madumetja Ranku (1941-2016) war einer der größten afrikanischen Gitarristen seiner Generation. Er machte sich zunächst mit den Malombo Jazz Makers einen Namen – der Nachfolgegruppe der legendären Malombo Jazzmen, die im Township Mamelodi von dem Gitarristen Philip Tabane, dem Schlagzeuger Julian Bahula und dem Flötisten Abbey Cindi gegründet wurde. Als Tabane 1965 die Jazzmen verließ, forderten Bahula und Cindi Lucky auf, ihn zu ersetzen, und die Malombo Jazz Makers waren geboren. Die Malombo Jazz Makers bauten auf der Popularität und dem Erfolg der ursprünglichen Malombo Jazzmen auf, wurden ungemein populär, tourten viel, gewannen zahlreiche Jazzwettbewerbe und nahmen zwei erfolgreiche Alben für das Gallo-Label auf.
Ahmed Ben Ali – Subhana (Habibi Funk)
Libyscher Reggae in seiner besten Form mit freundlicher Genehmigung des in Benghazi geborenen Ahmed Ben Ali. Nach der Zusammenarbeit mit Ahmed auf dem 12″-Hit „Subhana“ (Habibi012) meldet sich Habibi Funk mit einer Full-Length-Veröffentlichung zurück, die sich auf Ahmeds Veröffentlichungen aus der Mitte der 2000er Jahre konzentriert. Die Tracks auf der LP sind eine beeindruckende Sammlung schwerer Reggae-Rhythmen und synthetischer Grooves von einer einzigartigen kreativen Kraft, die sowohl von jamaikanischen Klängen als auch von libyschen folkloristischen Stilen inspiriert ist, wie Ahmed sagt: „Es ist der libysche Stil, nicht irgendein Bullshit.“
Namian Sidibe – Namian Sidibe (Sahel Sounds)
Die andere Seite der modernen malischen Loblieder: eine intime, akustische Session von Namian Sidibé. Namian gehört zu einer aufstrebenden Generation junger malischer Diven, die sich die sozialen Medien zunutze machen. Sie hat sich eine Fangemeinde aufgebaut und veröffentlicht Videos und Widmungen in Liedern, die von ihrem Cousin Jules Diabaté auf der akustischen Gitarre begleitet werden. Aufgenommen bei ihr zu Hause, mit kraftvollem und doch zurückhaltendem Gesang, der über einer melancholischen Akustikgitarre schwebt, erkundet Namian epische Generationslieder und Poesie, die in das Tik Tok-Zeitalter übertragen wurden.
The Ironsides – Changing Light (Colemine Records)
Die Ironsides sind da. Changing Light ist das erste abendfüllende Werk dieses meisterhaften Kollektivs von Musikern aus der Bay Area. Es verbindet klassische Psych-Soul-Klänge mit ausladenden Orchesterarrangements, die an den Soundtrack eines europäischen Films aus den 60er Jahren erinnern.
Inspiriert von den Soundtracks und der Library-Musik europäischer Komponisten der 60er und 70er Jahre, haben sich die Ironsides vorgenommen, eine Sammlung üppiger Songs zu schaffen, die ein breites Spektrum an Gefühlen, Emotionen und Erinnerungen hervorrufen.
Dali Muru & the Polyphonic Swarm (Stroom)
„Wir haben zusammen eine Karte von der Reise gezeichnet. Eine grüne Linie von Bambi über die Donau bis zu den Karpaten. Ein in Technikfarben animiertes Märchen, das sich in Zeitlupe abspielt. Alle Protagonisten schwebten leicht über dem Boden. Der Soundtrack von Transkarpatien und ein wirbelndes, unaufgelöstes Summen. Eine körperlose Kamera fliegt durch einen Bartak-Wald; sie sinkt auf ein Nest aus wildem Beifuß…“
Art Ensemble of Chicago – Originale Du Film „Les Stances A Sophie“ (Play Loud!)
Am 28. Mai 1969 gingen vier amerikanische Musiker – die Bläser Roscoe Mitchell und Joseph Jarman, der Bassist Malachi Favors und (in Begleitung seiner Frau, der Sängerin Fontella Bass) der Trompeter Roscoe Mitchell – an Bord des Ozeandampfers S.S. United States mit dem Ziel Le Havre, Frankreich. Nach der Landung fünf Tage später fuhren sie weiter nach Paris, wo sie sich an die Arbeit machten.
Am 22. August 1970, in den letzten Tagen ihres Aufenthalts in Übersee, nahm die Gruppe, mit Bass am Gesang, ihre zweite Veröffentlichung für EMI’s Pathé Marconi auf: den Soundtrack zum Film Les Stances à Sophie.
Die Platte, eine aufregende, äußerst hörenswerte Kombination aus Soul, Klassik und Jazz, die als das stilistisch vielfältigste Album des Art Ensemble of Chicago gilt, wird seit langem von einer treuen Anhängerschaft bewundert. Seine Beständigkeit ist weitgehend auf die Popularität seines „Hits“ zurückzuführen: Im Laufe der Jahre wurde „Theme de Yoyo“ immer wieder gecovert, und zwar von so unterschiedlichen Künstlern wie der deutschen Funkband Boogoos (und dem Ableger Deep Jazz, beide mit der Sängerin Julia Fehenbeger), der britischen Nu-Jazz-Combo Cinematic Orchestra, dem polnischen Jazzer Wojtek Mazolewski, den norwegischen Rockern Motorpsycho, dem französischen Tanzmusikkünstler Étienne Jaumet und dem Londoner Remixer ™Shall I Bruk It.
Mehr als ein halbes Jahrhundert später sind „Theme de Yoyo“ und Les Stances à Sophie immer noch ein Hit.
